« The Dead Web – La fin » au Mapping Festival

In Extremis, de Dominique Sirois et Baron Lanteigne, est issue d’une toute nouvelle collaboration entre les deux artistes. Installation à la fois sculpturale et vidéo – aménageant des passages de l’un vers l’autre –, l’œuvre convoque les questions de l’espace liminaire entre le virtuel et le réel, de la matérialité du numérique et de l’obsolescence.

Par un assemblage proliférant d’écrans – fonctionnels et dysfonctionnels –, de câblages et de structures textiles, elle suggère un certain désordre où connexion et déconnexion dialoguent en discontinuité. Dans une virtualité qui nous échapperait, Internet survivrait-il à sa propre mort ? Cette question, qui reste bien sûr non résolue, alimente ici une réflexion sur la manière dont l’infrastructure du Web se prolonge au-delà de l’écran. Entre le hardware, le dispositif écranique et l’espace indéterminé du numérique, se trouve le geste – celui d’activer ce système. Différentes zones sont dévoilées : d'abord l'écran-portail de la réception et de l'émission de données ; l'écran tactile et son activation par la main, qui se prolonge en autant de phalanges de connectivité ; puis l’envers de l’écran – l’au-delà de l’écran ? L'infrastructure des réseaux, plus particulièrement les canaux de fibres optiques souterrains, sorte de système nerveux/osseux, révèle alors la fragilité du World Wide Web – à moins que cette fragilité ne soit que surface ?

Infinitisme.com Forever A Prototype, de Frédérique Laliberté, est un projet web éternellement « en progrès », une machine à collage autonome qui génère des compositions virtuelles semi-aléatoires en allant chercher dans une banque de fichiers numériques catégorisés et classifiés : images, sons, gifs animés, vidéos, texte, etc. Le résultat de chaque visite est une série de constructions éphémères, basées à la fois sur la rigidité de l’archivistique et sur la désinvolture propre au hasard. Internet de fortune, sorte de mimesis de lui-même, ce site web ne peut que réutiliser et renouveler ce qui existe déjà, donnant une fonction à des centaines de giga octets de données latentes. Plus spécifiquement, le programme active une série de commandes qui choisissent des fichiers au hasard au sein de leurs catégories respectives. Il place ensuite ces éléments organisés dans le canevas virtuel de la page web, à l’intérieur de compartiments, de couches et de séquences bien définis. Sous forme d’installation, le projet se présente comme un environnement contextuel : une simulation assumée d’un dispositif fonctionnel. Sans cesse en développement dans l’espace-temps virtuel, cet univers parallèle est extirpé de son abstraction lorsque visité par un utilisateur web.

La création de Infinitisme.com Forever A Prototype a été rendue possible grâce à l’appui financier du Conseil des arts et des lettres du Québec.

BPM 37093, de Julie Tremble, est une courte animation 3D qui « raconte » – fiction ou réalité, l’incertitude ici est volontaire – la mort d’une étoile et la lente transformation de sa matérialité : Comme le mentionne l’artiste, « BPM 37093 est une étoile qui était très similaire au soleil et qui est aujourd’hui morte. Des scientifiques ont découverts qu’en mourant, l’étoile s’est presque entièrement transformée en diamant, comme le fera le soleil dans des milliards d’années. La vidéo est une représentation fantasmatique de ce phénomène scientifique, [et] la modélisation 3D, [un] outil privilégié par le documentaire et le cinéma pour traiter de phénomènes astronomiques. L’animation détourne cette technique perçue comme réaliste pour illustrer la manière dont notre compréhension de certains phénomènes naturels, dont la perception nous est inaccessible, repose sur des informations fragmentaires, des représentations et des associations hallucinées. » Cette représentation de la mort d’une étoile, symboliquement porteuse de celle (éventuelle) de l’univers (et accessoirement d’Internet) est aussi la naissance d’autre chose : ici un diamant. La temporalité hautement accélérée de cette mort d’étoile – 1:14 pour des millions d’années – ajoute une résonance à l’ensemble du projet d’exposition qui, questionnant le web, questionne aussi les notions de durée et d’instantanéité, ainsi que nos représentations du monde comme autant d’images de synthèse dont nous sommes en droit de nous méfier.

Le tableau Memento Vastum de Julien Boily – une huile sur panneau marouflé – nous parle d’une mémoire perdue. Vastum (déchet en latin) renvoie à la notion de perte, à ce qui est laissé derrière au profit d’une certaine idée du progrès. Une tension tradition/progrès alimente cette idée de perte multiforme dans le travail de Boily. Perte de savoir-faire, pictural certainement, mais aussi de connaissances anciennes aussitôt remplacées par de nouvelles – souvent sous forme d’information ou même de données. C’est une dynamique récursive qui s’accélère constamment : avec l’arrivée de la nouveauté, ce qui a précédé tend à être évacué. Cette notion de vestige croise ici celles d’obsolescence programmée et de vanité. Si au 17e siècle le miroir était un élément récurrent dans la composition des vanités – ces natures mortes évoquant le caractère éphémère de l’humanité – aujourd’hui nos dispositifs électroniques et outils informatiques pourraient remplir la même fonction. Parmi ces objets qui nous renvoient le reflet de nos désirs, de nos peurs et de notre vanité, Internet n’est-il pas comme un miroir sans tain ?

Memento Vastum fait partie de la Collection Canopée Médias.

Pour gérer le flux d’images et de contenus qui se déversent sans cesse sur leurs plateformes, les réseaux sociaux font appel à des entreprises de sous-traitance qui emploient des milliers de personnes dont la profession – modérateur – consiste à trier et censurer ces contenus. Exposés à des milliers d’images chaque jour, soumis à des conditions de travail difficiles, les modérateurs de contenu n’ont accès qu’à peu de support psychologique et sont tenus au silence par des contrats de confidentialité.

Partie faire des recherches à Manille aux Philippines dans le but de rencontrer des modérateurs, Lauren Huret interroge – à travers la figure de l’« image maudite » – les conséquences psychiques et physiques de ce travail, ainsi que ses effets à long terme pour nos sociétés.

L’œuvre prend la forme de deux pièces : une vidéo et une sculpture architecturale.

La sculpture consiste en une représentation de Quezon City, un des quartiers de Manille. Faisant écho à l’opacité du travail qui se déroule à l’intérieur de ces tours de verre, la maquette dissimule un corpus d’images étirées, déformées et baroques. Les visiteurs de l’exposition peuvent y pénétrer en se glissant au milieu du bâtiment central circulaire, d’où ils aperçoivent, camouflés dans les entrailles de la structure, des serveurs informatiques. Cette reconstruction fantasmée, squelette d’une architecture à l’accès hermétique, se présente comme une analogie de l’interface des médias sociaux.

La vidéo s’ouvre sur un univers surréel, fantasmé, hanté : le panorama sur la ville de Manille se transforme en scénario dantesque. L’effet de résilience produit par les images est évoqué à travers une bande son mixant « tubes karaoke », bruits et chuchotements de la ville. Le texte est un parti-pris subjectif sur l'image maudite et tente d'interroger la notion de partage libre de contenus à l'heure d'une économie globale néocoloniale, qui impacte la vie de milliers de personnes.

Praying For My Haters nous parle des traces que laissent dans son sillage un web du tabou et de l’interdit, de la violence et de la mort – des traces dont la prégnance promet de durer bien après son éventuelle disparition.

Lauren Huret, Praying For My Haters (sculpture), réalisée en collaboration avec Benjamin Elliott.

Matériaux divers, 213 x 100 x 241 cm, 2019.

Aides techniques : Hunter Longe, Antoine Berthier.

Co-production Centre Culturel Suisse Paris, FCAC.

Lauren Huret, Praying For My Haters (vidéo), vidéo HD, 17minutes, 2019.

Création sonore : Antoine Bellini et Lauren Huret.

Montage : Lauren Huret et Hunter Longe.

Co-production Centre Culturel Suisse Paris, Pro Helvetia.

Constituée d’instruments hybrides qui sont construits à partir de peaux de tambour et de composants électroniques, Membranes est une installation performative qui transforme du texte écrit en percussion lumineuse. Au fur et à mesure qu’émerge chaque traduction automatique, le réseau d’instruments commence à partager les textes, transformant ainsi les éléments écrits en motifs visuels et sonores. S’appuyant sur l’exemple du « tambour parlant » (talking drum) d’Afrique de l’Ouest, Membranes crée un nouveau langage, évoluant et s’adaptant sans cesse. Les instruments forment un réseau réactif d’acteurs sémantiques et esthétiques : un jeu de forme, de lumière et de son se déploie entre eux. Suivant cet archétype d’instrument de communication musicale et avec l’intention de créer un espace d’interaction acoustique spéculatif, cette installation audiovisuelle ouvre un environnement de communication alternatif.

La désorganisation du monde par le capitalisme financier, délocalisé et volatile, a favorisé l’émergence d’Internet. Ce réseau est progressivement devenu la matrice à travers laquelle nos collectivités et nos individualités ont restructuré leurs échanges. La promesse d’un plus grand mouvement des idées, d’une liberté accrue, voire d’une nouvelle citoyenneté, se heurte finalement au pouvoir du capital et à la nature disloquée et entropique d’un tel agencement technologique.

L’Objet de l’Internet est une installation de Projet EVA (Étienne Grenier et Simon Laroche), évoquant l’idée d’un mausolée destiné à la fin du Web. Grâce à des procédés optiques et cinétiques intégré à un dispositif où le visiteur insère sa tête, le visage humain est décomposé en une multitudes de fragments. Les visiteurs sont projetés dans un futur dystopique où, sur les réseaux sociaux, ne demeureraient sous la forme d’une résonance que les traces de quelques égo-portraits encore artificiellement animés. Ces derniers, condamnés au statut de solipsismes stériles, s’agiteraient dans le vide sidéral de la fin d’Internet. 

À la fois écran et miroir, écrin de l’identité de chacun, le téléphone portable est objet de mémoire et d’illusion. Portable et écran sont la marque de notre époque et sont marqués de nos empreintes. Leur omniprésence infiltre littéralement le moindre interstice de nos vies quotidiennes, rendant possible la capitalisation du temps libre. Ce faisant, ils nous lient à une forme d’instantanéité tout en nous éloignant de l’instant présent, nous tenant à la lisière entre l’univers virtuel et matériel. 

Le portable est l’objet d’une attention quasi constante : nous le protégeons, lui parlons, l’autorisons à se souvenir des moments de nos vies et à informer des tiers de nos moindres déplacements, si bien que son absence provoque une sensation d'incomplétude. Paradoxalement, en proie à l’obsolescence, il devient très vite remplaçable : son statut d’objet précieux et essentiel bascule rapidement vers celui de déchet, d’artéfact technologique dysfonctionnel, couvert d’un film graisseux témoignant d’une manipulation compulsive. Ces vitres – éclatées en étoile, enlisées dans du béton, telles les traces fossiles d’un temps passé – nous ramènent à notre conditionnement face aux GAFA (Google, Amazon, Facebook, Apple). Redevenant simples miroirs physiques, elles nous rappellent également la fin éventuelle de notre identité numérique.